Isabel Lewis im Gespräch

Ab dem Wintersemester 2026/27 übernimmt die international renommierte Künstlerin und Choreographin Isabel Lewis die Professur im Studiengang maC - Master Choreographie am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz (HZT) in Berlin. Die Professur hat ihren Sitz an der HfS Ernst Busch, zusammen mit der UdK Berlin eine der beiden Trägerinnen des HZT. Parallel zu Ihrer Professur ist Isabel Lewis Teil der Künstlerischen Leitung des Tanzquartier Wien und setzt ihre Tätigkeit dort bis 2030 fort. 

[English version below]

Was findest du am maC – Master Choreography besonders, und was reizt dich daran, die Professur gerade zu diesem Zeitpunkt zu übernehmen?
Was mich am maC interessiert, ist, dass Choreografie hier als ein Feld verstanden wird, das sich immer wieder neu definieren kann. Es ist ein relativ kleiner Studiengang, wodurch es möglich ist, Studierende über längere Zeit eng zu begleiten und sehr unterschiedliche künstlerische Positionen zu unterstützen, anstatt eine bestimmte Vorstellung davon vorzugeben, was Choreografie sein kann.
Ich freue mich darauf, zu einem Zeitpunkt in den Studiengang einzusteigen, an dem sich das Feld der Choreografie erheblich erweitert hat und zugleich genug Geschichte hinter uns liegt, um über einen hochentwickelten Diskurs über choreografisches Handwerk in verschiedenen Formaten zu verfügen. Ich nehme wahr, dass viele Choreograf*innen heute eine neue Energie in Bezug auf Bewegung und Tanz entwickeln, was ich sehr spannend finde. Gleichzeitig sehe ich große Entwicklungen darin, wie Choreograf*innen mit Stimme und Klang, Text, sozialen Situationen, Installation, digitalen Medien, Formen des Hostings, kollektiven Prozessen und vielen anderen Möglichkeiten umgehen, Körper, Aufmerksamkeit, Raum und Zeit zu arrangieren. Mich interessiert der maC als ein Ort, an dem diese unterschiedlichen Verständnisse von Choreografie aufeinandertreffen können und gleichzeitig eine starke Auseinandersetzung mit verkörperter Praxis erhalten bleibt.
Ich verstehe die Übernahme der Professur auch als Eintritt in eine bereits bestehende Ökologie an der HfS und freue mich darauf, mit meiner Lebenserfahrung zu ihr beizutragen und Teil davon zu sein, wie sie sich im kontinuierlichen Dialog mit Kolleg*innen und Studierenden weiterentwickelt und wächst.
 

Was bedeutet Choreografie für dich heute, und welche Fragen oder Praktiken möchtest du in deine Lehre am maC einbringen?
Ich verstehe Choreografie als eine Form der Antwort darauf, wie wir unsere Welt erfahren. Mit der Aufmerksamkeit und Rezeptivität, die tänzerisches Wissen im Körper kultiviert, antwortet Choreografie auf die Welt durch die Komposition von Beziehungen in Zeit und Raum. Diese Kompositionen entfalten spezifische Dramaturgien der Erfahrung in einer Vielzahl möglicher Dispositive, die Situationen zwischen Menschen, zwischen menschlichen und nichtmenschlichen Akteur*innen und Räumen sowie zwischen materiellen und immateriellen Dingen rahmen oder initiieren können.
Ein großer Teil meiner eigenen künstlerischen Praxis beschäftigt sich mit dem Schaffen von Situationen, die Scores folgen und sich innerhalb einer komponierten Dramaturgie entfalten, dabei aber zugleich Raum für Ungeplantes lassen. Ich habe mit Formaten des Hostings, kollektiver Improvisation, Klang, Geruch, Gespräch, Architektur und Publikation gearbeitet. Mich interessiert, wie künstlerische Situationen Bedingungen schaffen können, in denen wir gemeinsam etwas erfahren können, jede:r auf eigene Weise, und dabei die Handlungsmacht haben, zu reagieren, zu antworten oder mit der eigenen Art der Aufmerksamkeit zu experimentieren.
Das prägt auch mein Verständnis von Lehre. In meiner Lehre am maC werde ich mit Scores, Improvisation, künstlerischer Forschung, Tanzen, Analyse und Diskussion, Hosting-Protokollen und kollektiver Komposition arbeiten, um choreografische Entscheidungsprozesse zu schärfen. Mich interessiert außerdem, wie überlieferte Formen und Kategorien in unserem Forschungsfeld kulturelle Annahmen in sich tragen, die durch Praxis untersucht, überarbeitet oder neu betrachtet werden können. Besondere Aufmerksamkeit möchte ich auch darauf richten, wie Künstler*innen Fragen formulieren und wie wir den Prozess des Forschens gestalten, so dass sich anderen beteiligen können.
Ich verstehe Lehre als eine Praxis des Hostings und der Begleitung einer Lerngemeinschaft und nicht als einseitige Wissensvermittlung. Übertragung findet in viele Richtungen statt, durch Austausch, Fragen, kollektives Experimentieren und die unterschiedlichen Erfahrungen, die jede Person mit in den Raum bringt. Meine Rolle sehe ich darin, Bedingungen zu schaffen, unter denen diese Formen des Lernens aktiv und gemeinsam werden können. Ich erwarte, dass auch mein eigenes Denken über Choreografie durch die gemeinsame Arbeit im maC herausgefordert und verändert wird.
 

Was bedeutet es heute, in Berlin Choreografie zu lehren und zu studieren? Welche Möglichkeiten bietet die Stadt für einen internationalen Studiengang wie den maC?
Berlin hat eine wichtige Rolle in meiner eigenen künstlerischen Entwicklung gespielt. Ich bin zwischen 2009 und 2010 hierhergezogen, und ein großer Teil meiner Praxis hat sich durch Begegnungen mit Tanz, Performance, bildender Kunst, Musik und – besonders wichtig für meine Art, über „long flow“ Dramaturgien nachzudenken – mit den Clubkulturen Berlins entwickelt. Für ein expansives künstlerisches Denken und Handeln ist die geografische Weite Berlins in Verbindung mit der Dichte kreativen Ausdrucks etwas Besonderes. Lernen findet statt, während man in der Stadt lebt, an Gemeinschaft teilnimmt und sie mitgestaltet, anderen Formen begegnet und eine Beziehung zum sozialen und kulturellen Umfeld entwickelt.
Gleichzeitig verändert sich Berlin kontinuierlich, und ich halte es für wichtig, nicht einfach eine Vorstellung der Stadt zu wiederholen, die darauf basiert, was sie für mich einmal dargestellt hat oder welches Bild ihrer Vergangenheit in der allgemeinen Vorstellung existiert. Choreografie hier zu studieren sollte auch bedeuten zu fragen, welche Formen künstlerischen Lebens heute in Berlin möglich sind, wer Zugang zu ihnen hat und wie künstlerische Gemeinschaften weiterhin Räume für Experiment, Austausch und Solidarität schaffen können.
 

Welche potenziellen Studierenden möchtest du mit dem Studiengang ansprechen?
Ich hoffe, dass wir als Studiengang für Künstler*innen mit sehr unterschiedlichen Hintergründen, Praktiken und Verständnissen von Choreografie attraktiv sein können. Mich interessieren Menschen, die eine starke Neugier entwickelt haben, den Mut besitzen, Fragen zu stellen, und das Bedürfnis haben, etwas durch Praxis zu untersuchen. Ich wünsche mir Teilnehmer*innen mit der Bereitschaft, sich tiefgehend einzulassen, neugierig auf die Herangehensweisen anderer zu bleiben und die Ausdauer zu haben, etwas immer wieder zu versuchen, vielleicht jedes Mal auf eine andere Weise.
Ich denke, ein Masterstudiengang wird dann interessant, wenn die Studierenden nicht alle gegenseitig ihr Verständnis des Feldes bestätigen. Unterschiedlichkeit erzeugt die notwendige Reibung für eine produktive Lernumgebung.
 

Was ist deine Vision für die nächsten Jahre? Wie können sich die Lehrtätigkeit in Berlin und dein Job in Wien gegenseitig befruchten?
Ausgangspunkt für alles, was ich tue, ist die künstlerische Praxis. Ich verstehe Choreografie nicht nur als die Komposition von Bewegung, sondern weiter gefasst als eine Praxis, die Beziehungen, Aufmerksamkeit, Zeit, Räume und die Bedingungen gestaltet, unter denen Menschen und Ideen zusammenkommen. In diesem Sinne sehe ich meine Arbeit in Wien und Berlin als Teil derselben künstlerischen Untersuchung, die in unterschiedlichen Maßstäben und institutionellen Kontexten stattfindet.
Am Tanzquartier Wien ist einer der Bereiche, deren Entwicklung mir besonders wichtig ist, die Beziehung zwischen künstlerischer Praxis, Theorie und Forschung. Das akademische Umfeld von HfS und HZT bietet durch seine Lehrenden, Forschenden, Historiker*innen, Dramaturg:innen und erweiterten Netzwerke ein sehr reiches Feld choreografischen Wissens. Ich sehe großes Potenzial darin, dieses Wissen in einen Dialog mit dem Bereich Theory & Research am TQW zu bringen und damit das Spektrum an Stimmen, Geschichten und Formen von Expertise zu erweitern, die Teil der Gespräche werden können, die wir in Wien hosten.
In die andere Richtung ist das TQW eng mit Künstler:innen verbunden, die durch ihre Arbeit das Feld von Tanz und Choreografie aktiv mitgestalten. Für die Studierenden des maC sehe ich einen großen Wert darin, näher mit diesen Praktiken in Berührung zu kommen, während sie noch entwickelt und erprobt werden, anstatt ihnen erst später durch Dokumentation oder Diskurs zu begegnen. Das kann Begegnungen mit Künstler:innen, Besuche, Workshops, Gespräche rund um Produktionen oder das Verfolgen der Entwicklung einer choreografischen Arbeit in Beziehung zu einer präsentierenden Institution und einem Publikum bedeuten. Dadurch erhalten die Studierenden Zugang zu den Fragen, Verhandlungen, Experimenten und Arbeitsweisen, aus denen sich zeitgenössische künstlerische Praxis von innen heraus zusammensetzt.
Mich interessiert, unterschiedliche Formen von Wissen zwischen zwei verschiedenen Umgebungen zirkulieren zu lassen. Das Tanzquartier kann von der historischen, theoretischen und pädagogischen Tiefe des akademischen Kontextes in Berlin profitieren, während die Berliner Studierenden in größere Nähe zu den sich entwickelnden künstlerischen Praktiken, internationalen Netzwerken und öffentlichen Situationen gebracht werden können, mit denen das TQW arbeitet. Im besten Fall werden beide Orte durch diese Beziehung durchlässiger.
Meine Vision für die kommenden Jahre ist es, diese Verbindungen sorgfältig aus den jeweiligen spezifischen Bedürfnissen der beiden Institutionen heraus zu entwickeln und Inspiration in beide Richtungen fließen zu lassen. Mich interessiert weniger, Modelle von einem Ort auf den anderen zu übertragen, als in jedem jeweiligen Kontext spezifische Situationen zu schaffen, in denen künstlerische Praxis, Forschung, Lehre und Theorie sich tatsächlich gegenseitig beeinflussen können. Auch das ist für mich eine choreografische Aufgabe.
 

Isabel Lewis in conversation

What do you find distinctive about the maC – Master Choreography program, and what excites you about taking on the professorship at this particular moment?
What interests me about the maC is that it understands choreography as a field that can continually redefine itself. It is a relatively small program, which makes it possible to work closely with students over time and to accompany very different artistic positions rather than imposing one idea of what choreography can be.
I am excited to enter the program at a moment when the field of choreography has expanded considerably and that there is enough history behind us to have highly articulated discourse around choreographic craft in various formats. I sense that many choreographers today have a renewed energy around movement and dance which I find very exciting. And I also see great developments in the ways choreographers are dealing with vocal and sound work, text, social situations, installation, digital media, forms of hosting, collective processes, and many other ways of arranging bodies, attention, space, and time. I am interested in the maC as a place where these different understandings of choreography can encounter one another, while maintaining a strong engagement with embodied practice.
I also see taking on the professorship as entering into an existing ecology at HfS to which am excited to contribute with my life experience and to be a part of how it continues to grow and evolve in continuous dialogue with colleagues and students.

What does choreography mean to you today, and which questions or practices do you want to bring into your teaching at the maC?
I understand choreography as a form of response to how we experience our world. With the attentiveness and receptivity that dance knowledge cultivates in the body, choreography speaks back to the world through the composition of relations in time and space. These compositions unfold particular dramaturgies of experience in a variety of possible dispositifs that can frame or instigate situations between people, between both human and non-human and spaces, between material and immaterial things.
A lot of my own artistic practice has been concerned with creating situations that follow scores unfolding within a composed dramaturgy but that also leave space for the unplanned to emerge. I have worked with formats of hosting, collective improvisation, sound, smell, conversation, architecture, and publication. I am interested in how artistic situations can generate conditions in which together we can experience something, each in our own ways, and have the agency to react, respond, or experiment with one’s way to attend.
This also informs how I think about teaching. In my teaching at the maC, I will work with scores, improvisation, artistic research, dancing, analysis and discussion, hosting protocols, and collective composition as ways of sharpening choreographic decision-making. I am also interested in how inherited forms and categories in our field carry cultural assumptions that can be examined and reworked or reconsidered through practice. I also want to pay specific attention to how artists articulate questions and how we give the process of inquiry form that can be entered or shared with others.
I understand teaching as a practice of hosting and facilitating a learning community, rather than as a one-way transfer of knowledge. Transmission happens in multiple directions, through exchange, questioning, collective experimentation, and the different experiences each person brings into the room. My role is to help create the conditions in which those forms of learning can become active and shared. I expect my own thinking about choreography to be challenged and transformed through the work we do together in maC.
 

What does it mean to teach and study choreography in Berlin today? What possibilities does the city offer for an international program like the maC?
Berlin has played an important role in my own artistic development. I moved here between 2009–2010, and much of my practice developed through encounters with  dance, performance, visual art, music, and, especially important to my way of thinking about long flow dramaturgies, Berlin’s club cultures. For expansive artistic thinking and doing, Berlin’s geographical vastness in combination with the density of creative expression is something special. Learning happens while living in the city, participating in and making community, encountering other forms, and developing a relationship with the social and cultural surrounding.
At the same time, Berlin is changing continuously, and I think it is important not simply to repeat an idea of the city based on what it represented to me or in the popular imagination of its past. Part of studying choreography here should also mean asking what kinds of artistic life are possible in Berlin now, who has access to them, and how artistic communities can continue to create spaces for experimentation, exchange, and solidarity.
 

Which potential students are you hoping to attract with this degree program?
I hope we as a program can be attractive to artists with very different backgrounds, practices, and understandings of choreography. I am interested in attracting people who have developed a strong curiosity, the courage to ask questions, and the need to investigate something through practice. I hope for participants with a willingness to engage deeply, to remain curious about other people's approaches, and that have the persistence to try and try again perhaps differently.
I think a master's program becomes interesting when the students do not all confirm one another's understanding of the field. Difference creates the necessary friction for a generative learning environment.
 

What is your vision for the next few years? How can your teaching activities in Berlin and your job in Vienna mutually benefit each other?
The starting point for everything I do is artistic practice. I understand choreography not only as the composition of movement, but more broadly as a practice of shaping relations, attention, time, spaces, and the conditions in which people and ideas come together. In that sense, I see my work in Vienna and Berlin as part of the same artistic inquiry, operating at different scales and within different institutional contexts.
At Tanzquartier Wien, one of the areas I have been especially committed to developing is the relationship between artistic practice, theory, and research. The academic environment of HfS and HZT offers a very rich field of choreographic knowledge through its teachers, researchers, historians, dramaturges, and wider networks. I see real potential for this knowledge to enter into dialogue with TQW’s Theory & Research programme, expanding the range of voices, histories, and forms of expertise that can become part of the conversations we host in Vienna.
In the other direction, TQW is closely connected to artists who are actively shaping the field of dance and choreography through their work. For the students at maC, I see great value in having closer contact with these practices while they are still being developed and tested, rather than encountering them only later through documentation or discourse. This can mean encounters with artists, visits, workshops, conversations around productions, or following how a choreographic work develops in relation to a presenting institution and a public. It gives students access to the questions, negotiations, experiments, and working methods that constitute contemporary artistic practice from the inside.
What interests me is allowing different kinds of knowledge to circulate between two distinct environments. Tanzquartier can benefit from the historical, theoretical, and pedagogical depth of the academic context in Berlin, while the HfSstudents can be brought into closer proximity with the evolving artistic practices, international networks, and public situations that TQW engages with. Ideally, both places become more permeable through this relationship.
My vision for the coming years is to develop these connections carefully from within the specific needs of each institution and to let inspiration flow both ways. I am less interested in transferring models from one place to another than in creating the specific situations in each specific context where artistic practice, research, teaching, and theory can genuinely affect one another. For me, that too is a choreographic task.